Director Bettina Oberli
Guionista Sabine Pochhammer
Bettina Oberli
Productor Alfi Sinniger
Música Luk Zimmermann
Fotografía Stéphane Kuthy
Montaje Michael Schaerer
"Las chicas de la lencería", la gran apuesta internacional del cine suizo
Una mujer octogenaria decide cumplir su sueño de ser modista en "Las chicas de la lencería", cinta dirigida por Bettina Oberli y protagonizada por Stephanie Glaser que representó a Suiza en la carrera al Óscar y que se ha convertido en uno de las pocos títulos de su país que traspasa fronteras.
Esta comedia de 2006, que ahora llega a las salas españolas, se sustenta en el contraste entre la pasión de las cuatro ancianas protagonistas, que montan una moderna tienda de ropa interior femenina, y la incomprensión conservadora de la pequeña villa en la que viven.
Son "personajes testarudos que nunca se rinden, hechos de madera robusta y que tienen otro tipo de libertad que sus hijos treintañeros, ya que ya no existen responsabilidades para ellas", explica la joven directora de esta cinta, Bettina Oberli, quien se confiesa exhausta ante la vitalidad que Stephanie Glaser, de 88 años de edad, muestra en la gira promocional de la cinta, un periplo que les ha llevado hasta Japón. Glaser, que brilló en la televisión de su país en los años 70, se convierte ahora en un reclamo directo para el exiguo público del cine suizo y ya cuenta con otras dos películas en cartera, lo que le está permitiendo vivir "una segunda oportunidad" en este medio.
El retiro dorado de Martha, su personaje, es esa lencería que levanta la polémica entre sus vecinos, el de la actriz es el de "seguir sobre el escenario tanto como sea posible", confiesa Glaser tras prestarse de forma solícita a una "tonta sesión de fotos" con atrevida ropa interior de por medio.
"El problema del cine suizo es que no suscita un interés. Al menos en España genera polémica", reflexiona la directora, quien presentó en 2004 su primera película, "Im Nodwind", en el Festival de Cine de San Sebastián. "Nuestro cine no puede transcender fuera de las fronteras suizas porque no se invierte dinero en él, lo cual resulta paradójico teniendo en cuenta que hablamos de uno de los países más ricos del mundo", defiende Oberli.
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martes, 4 de febrero de 2014
martes, 1 de octubre de 2013
lunes, 19 de agosto de 2013
Ann Hui, una directora de Hong Kong
Entrevista a la directora de cine hongkonesa Ann Hui
julio 12, 2011
En su primera edición el Casa Asia Film Week rindió homenaje a una de las directoras asiáticas más reputadas, perteneciente a la Nueva Ola de Cine de Hong Kong. Nos referimos a la directora china Ann Hui. Ann Hui, nacida en el norte de China y de madre japonesa, es una de las realizadoras más representativas del cine de Hong Kong. Pertenece a la Nueva Ola (que eclosiona a finales de los años setenta), ingeniosamente definida por el cineasta Allen Fong como una “generación que tuvo suerte”: nacida tras la guerra, en un periodo de auge cultural y económico, alimentados de cine (la única diversión de la época), y los primeros en estudiar cine en el extranjero y en aprovecharse del desarrollo de la televisión. Tuvimos la oportunidad de conversar con ella tras la rueda de prensa que ofreció en Casa Asia. Os dejamos con sus respuestas.
CineAsia: Cuando se plantea hacer una película, ¿el objetivo máximo que tiene es crear un espacio de libertad, que el público se identifique y algo pueda cambiar a mejor?
Ann Hui: No tengo una intención vocacional con mis películas; sin embargo a mí sí que otros films que considero muy importantes me han hecho cambiar mi visión respecto a la vida. Lo único que intento es explicar con sinceridad un hecho cotidiano. No es lo que yo espero que pase con mis películas aunque sería estupendo que sucediera.
ineAsia: Entonces, una película como All About Love ¿no está concebida para que el público reflexione acerca de temas como la bisexualidad o la homosexualidad?
Ann Hui: En este caso particular sí que existe un poco de intención, porque siempre hay una barrera con el tema de la homosexualidad, aunque yo quería dar una visión más intelectual del asunto, algo más contundente.
CineAsia: En Hong Kong, ¿qué tipo de público suele acudir a ver las películas de Ann Hui?
Ann Hui: Es curioso, porque cuando voy por la calle encuentro muchísima gente que me dice “soy fan tuyo”, pero luego esto no se refleja en la taquilla.
CineAsia: ¿Puede ser porque la gente de clases sociales más bajas no tiene tanto poder adquisitivo para poder ir al cine y los dramas sociales que representa reflejan precisamente a este tipo de personas?
Ann Hui: Ahora resulta más difícil valorar el tipo de público que ve mis películas porque antes se tenía que ir al cine y en cambio ahora gracias al dvd y a las descargas que se realizan mucha gente lo ve en su casa.
CineAsia: ¿De todas las películas que ha rodado, cuál ha sido la que más dificultades le ha creado a nivel general? Ann Hui: En 1986 rodé una película de kung-fu llamada The Romance of Book and Sword que supuso un trabajo muy duro de documentación, sobre todo lo relativo a la dinastía Quing. Además tuve muchos problemas con la financiación porque debido a los fastuosos vestuarios de época me pasé del presupuesto.
CineAsia: ¿Por qué muchos directores chinos coetáneos a usted no han tenido la oportunidad de realizar películas en Hong Kong? Ann Hui: Es muy difícil rodar en Hong Kong porque no hay presupuestos, y si se realiza una inversión es muy difícil llegar a recuperarla. Si las películas no se proyectan después en China es como un proyecto a fondo perdido.
CineAsia: A la hora de escoger los títulos de sus películas, ¿éstos ya se eligen a priori desde el guión o bien se le ocurren a posteriori durante los rodajes? Ann Hui: Normalmente, en primer lugar tengo la idea y después surge el título, excepto cuando realizo adaptaciones de novelas.
Cineasia: ¿A qué directores chinos o taiwaneses actuales no debemos perderles la pista?
Ann Hui: A parte de los grandes nombres que ya son conocidos, hay varios directores jóvenes como por ejemplo Cheng Yu-Chieh, un director de tan sólo treinta años que escribe sus propios guiones y realiza un tipo de cine muy maduro para lo joven que es. Su película más destacada es Yang Yang. En cuanto a las directoras, me gusta mucho el cine de Barbara Wong, con películas como Perfect Wedding o Break Up Club.
CineAsia: ¿Cuándo comenzó Ann Hui a interesarse por el mundo del cine?
Ann Hui: Mis primeras memorias son las de ir con mi tía cuando tenía cinco años a ver Rebeca de Alfred Hitchcock, sobretodo recuerdo al ama de llaves. Más tarde en mis años de universidad fue cuando cobré conciencia de que quería hacer cine, por lo que decidí apuntarme a la Escuela de Cine en Londres.
CineAsia: Para alguien que no conozca su cine, ¿cómo describiría sus películas?
Ann Hui: Mi cine es un cine muy ecléctico. He trabajado en tantos campos que es muy difícil definirlo. Al principio de mi carrera siempre estaba sujeta a las dificultades de la financiación y ya con el tiempo comencé a hacer este tipo de cine donde se amalgaman varias tendencias, un cine que no es puro, no es de género, sino que está compuesto de diferentes elementos, aunque algunas de mis primeras películas sí que eran más homogéneas en ese sentido. Por nuestro colaborador Francisco Nieto
En su primera edición el Casa Asia Film Week rindió homenaje a una de las directoras asiáticas más reputadas, perteneciente a la Nueva Ola de Cine de Hong Kong. Nos referimos a la directora china Ann Hui. Ann Hui, nacida en el norte de China y de madre japonesa, es una de las realizadoras más representativas del cine de Hong Kong. Pertenece a la Nueva Ola (que eclosiona a finales de los años setenta), ingeniosamente definida por el cineasta Allen Fong como una “generación que tuvo suerte”: nacida tras la guerra, en un periodo de auge cultural y económico, alimentados de cine (la única diversión de la época), y los primeros en estudiar cine en el extranjero y en aprovecharse del desarrollo de la televisión. Tuvimos la oportunidad de conversar con ella tras la rueda de prensa que ofreció en Casa Asia. Os dejamos con sus respuestas.
CineAsia: Cuando se plantea hacer una película, ¿el objetivo máximo que tiene es crear un espacio de libertad, que el público se identifique y algo pueda cambiar a mejor?
Ann Hui: No tengo una intención vocacional con mis películas; sin embargo a mí sí que otros films que considero muy importantes me han hecho cambiar mi visión respecto a la vida. Lo único que intento es explicar con sinceridad un hecho cotidiano. No es lo que yo espero que pase con mis películas aunque sería estupendo que sucediera.
ineAsia: Entonces, una película como All About Love ¿no está concebida para que el público reflexione acerca de temas como la bisexualidad o la homosexualidad?
Ann Hui: En este caso particular sí que existe un poco de intención, porque siempre hay una barrera con el tema de la homosexualidad, aunque yo quería dar una visión más intelectual del asunto, algo más contundente.
CineAsia: En Hong Kong, ¿qué tipo de público suele acudir a ver las películas de Ann Hui?
Ann Hui: Es curioso, porque cuando voy por la calle encuentro muchísima gente que me dice “soy fan tuyo”, pero luego esto no se refleja en la taquilla.
CineAsia: ¿Puede ser porque la gente de clases sociales más bajas no tiene tanto poder adquisitivo para poder ir al cine y los dramas sociales que representa reflejan precisamente a este tipo de personas?
Ann Hui: Ahora resulta más difícil valorar el tipo de público que ve mis películas porque antes se tenía que ir al cine y en cambio ahora gracias al dvd y a las descargas que se realizan mucha gente lo ve en su casa.
CineAsia: ¿De todas las películas que ha rodado, cuál ha sido la que más dificultades le ha creado a nivel general? Ann Hui: En 1986 rodé una película de kung-fu llamada The Romance of Book and Sword que supuso un trabajo muy duro de documentación, sobre todo lo relativo a la dinastía Quing. Además tuve muchos problemas con la financiación porque debido a los fastuosos vestuarios de época me pasé del presupuesto.
CineAsia: ¿Por qué muchos directores chinos coetáneos a usted no han tenido la oportunidad de realizar películas en Hong Kong? Ann Hui: Es muy difícil rodar en Hong Kong porque no hay presupuestos, y si se realiza una inversión es muy difícil llegar a recuperarla. Si las películas no se proyectan después en China es como un proyecto a fondo perdido.
CineAsia: A la hora de escoger los títulos de sus películas, ¿éstos ya se eligen a priori desde el guión o bien se le ocurren a posteriori durante los rodajes? Ann Hui: Normalmente, en primer lugar tengo la idea y después surge el título, excepto cuando realizo adaptaciones de novelas.
Cineasia: ¿A qué directores chinos o taiwaneses actuales no debemos perderles la pista?
Ann Hui: A parte de los grandes nombres que ya son conocidos, hay varios directores jóvenes como por ejemplo Cheng Yu-Chieh, un director de tan sólo treinta años que escribe sus propios guiones y realiza un tipo de cine muy maduro para lo joven que es. Su película más destacada es Yang Yang. En cuanto a las directoras, me gusta mucho el cine de Barbara Wong, con películas como Perfect Wedding o Break Up Club.
CineAsia: ¿Cuándo comenzó Ann Hui a interesarse por el mundo del cine?
Ann Hui: Mis primeras memorias son las de ir con mi tía cuando tenía cinco años a ver Rebeca de Alfred Hitchcock, sobretodo recuerdo al ama de llaves. Más tarde en mis años de universidad fue cuando cobré conciencia de que quería hacer cine, por lo que decidí apuntarme a la Escuela de Cine en Londres.
CineAsia: Para alguien que no conozca su cine, ¿cómo describiría sus películas?
Ann Hui: Mi cine es un cine muy ecléctico. He trabajado en tantos campos que es muy difícil definirlo. Al principio de mi carrera siempre estaba sujeta a las dificultades de la financiación y ya con el tiempo comencé a hacer este tipo de cine donde se amalgaman varias tendencias, un cine que no es puro, no es de género, sino que está compuesto de diferentes elementos, aunque algunas de mis primeras películas sí que eran más homogéneas en ese sentido. Por nuestro colaborador Francisco Nieto
martes, 5 de marzo de 2013
domingo, 13 de enero de 2013
Amor
Ayer fui a ver esta película, que es un pedazo de vida, y al salir hombres llorosos salían de la sala.
La realidad golpea y nos plantea cómo enfrentarnos al dolor que sienten los que amamos y a sus deseos de dejar de sufrir, de dejar de respirar, porque vivir es otra cosa que respirar.
El trato a los ancianos está representado de una forma extraordinaria,... sin duda es una película para ver y pensar, reflexioanr.
Amor
| TÍTULO ORIGINAL | Amour (Love) |
|---|---|
| AÑO | 2012 |
| DURACIÓN | 127 min. |
| PAÍS |
 |
| DIRECTOR | Michael Haneke |
| GUIÓN | Michael Haneke |
| MÚSICA | Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach |
| FOTOGRAFÍA | Darius Khondji |
| REPARTO | Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Droukarova |
| PRODUCTORA | Coproducción Francia-Alemania-Austria; Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions |
| WEB OFICIAL | http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=277 |
| PREMIOS | 2012: 5 Nominaciones a los Oscar, incluyendo Película, Director y Film habla no inglesa 2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película) 2012: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones 2012: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones 2012: Globos de Oro: nominada a mejor película de habla no inglesa 2012: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo mejor director y actriz (Riva) 2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera 2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera 2012: National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera 2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película 2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva) |
| GÉNERO | Drama | Drama romántico. Vejez. Enfermedad. Discapacidad |
| SINOPSIS | Crudo retrato de la vejez y de la muerte. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva encarnan a una pareja de octogenarios, que viven en París ya retirados del mundo de la música. Isabelle Huppert interpreta a la hija de ambos. El amor de la pareja se verá puesto a prueba cuando ella sufra una grave parálisis. (FILMAFFINITY) |
| CRÍTICAS |
---------------------------------------- "Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte (...) No hay un paso en falso ni una sola escena superflua" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)  ---------------------------------------- "El film más íntimo de Haneke en casi un cuarto de siglo, (...) con unas interpretaciones conmovedoras, un mano a mano inusualmente tierno" (Peter Debruge: Variety) ---------------------------------------- "La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian) ---------------------------------------- "Obra maestra (...) Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte" (Manohla Dargis: The New York Times) ---------------------------------------- "Paralizante y extraordinariamente emotiva, quizás la película más inolvidablemente honesta sobre la vejez que se haya hecho nunca" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly) ---------------------------------------- "Duro y sobresaliente drama. (...) Michael Haneke ha hecho su película más sutil y tierna –hasta donde puede llegar Haneke en ternura, claro- con 'Amor'" (Gregorio Belinchón: Diario El País) ---------------------------------------- "Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte. (...) pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa." (Luis Martínez: Diario El Mundo) ---------------------------------------- "Atractiva película (...) Te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso." (Carlos Boyero: Diario El País) ---------------------------------------- "Una película que, ¡brrrroooom!, te convierte en cascotes todo tu edificio personal. (...) Es un trabajo tan bueno que parece un milagro que no caiga en un solo momento en ninguno de los muchos agujeros sentimentales que podría haber" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) ---------------------------------------- "Haneke se muestra casi tierno (...) realiza una aproximación rigurosa a la vejez sin caer en el tremendismo y evitando el inútil ternurismo (...) Una película que, de alguna manera, humaniza a Haneke. Lo reconcilia con la vida." (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia) ---------------------------------------- "La historia de amor más auténtica del cine reciente (...) obra maestra absoluta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón) ---------------------------------------- "'Amor' es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y… problemática." (Jordi Costa: Diario El País) ---------------------------------------- "Haneke filma esta lección de humanismo con gran sencillez: serenidad expositiva, un tempo medidísimo, calidez en la textura de la imagen. Lo demás lo aportan los dos veteranos actores, soberbios y compenetradísimos. Un poder de emoción de verdadero cine recorre 'Amor' de proa a popa (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia) ---------------------------------------- "Un drama terrorífico y conmovedor, no sólo de una intimidad e inteligencia extraordinarias, sino también de una gran ternura (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Nando Salvá: Cinemanía) ---------------------------------------- |
viernes, 4 de enero de 2013
Fuego
Fuego, filme
de la india Deepa Mehta, supone una trascendental vuelta de tuerca en
la historia del país con mayor producción anual de películas en todo el
mundo. Ayer, en el marco de la V Mostra de Cinema de Dones, la
presentaron a la prensa su directora y sus dos intérpretes principales,
Shabana Azmi, la actriz dramática más famosa de su país, y la
jovencísima Nandita Das. Para Mehta la película "es una metáfora sobre
la India de hoy, pero también una película sobre las aspiraciones de las
mujeres de cualquier lugar, no necesariamente sólo de la India".Fuego,
que se estrenará comercialmente en su país el próximo agosto y que viene
precedida por el desconcierto de numerosos espectadores que ya la han
visto en el Festival de la India de enero o en Londres, donde ya está en
las salas, muestra la vida de una familia de Nueva Delhi compuesta por
dos hermanos, sus respectivas esposas y la madre de los hombres, una
mujer impedida. El drama familiar es doble, y afecta ante todo a ambos
hombres: uno, el mayor, casado desde hace 13 años con Radha (Shabana
Azmi), vive bajo el cobijo moral de un guru y torturado por la
esterilidad de su bella esposa. El otro, presionado por su hermano, se
ha casado -el filme comienza con su boda- con una no menos bella joven,
Siat (Nandita Das), aunque no está dispuesto a abandonar una larga
relación amorosa con una mujer china que nunca ha querido casarse con
él.
"He pretendido plantear una metáfora sobre la India contemporánea, con sus conflictos, la fuerza de la tradición, pero en ella también despuntan actitudes de inequívoca ruptura con el pasado", confiesa Mehta, una cineasta que hace 16 años abandonó su país para residir en Canadá.
"He pretendido plantear una metáfora sobre la India contemporánea, con sus conflictos, la fuerza de la tradición, pero en ella también despuntan actitudes de inequívoca ruptura con el pasado", confiesa Mehta, una cineasta que hace 16 años abandonó su país para residir en Canadá.
Relación íntima
Los elementos más contundentes del filme, aquellos que han provocado el desconcierto, tienen que ver con la relación íntima que se establece entre las cuñadas. Abandonadas afectivamente por ambos maridos, trabajando tanto en el doble negocio familiar -comida tradicional para llevar y videoclub: el pasado y el presente- como en la atención a la postrada suegra, inequívoco símbolo del pasado y lo arcaico, cada una de ellas encuentra refugio en la otra, hasta que nace una atracción considerable y un amor correspondido. "En Occidente, una historia entre dos mujeres que pasa por el contacto físico ya no escandaliza a nadie", reconoce Azmi, "pero en la India ni siquiera se puede atisbar una cosa así. Deepa ha sido muy valiente al hacer que la historia pase en Nueva Delhi.biofilmografía de Deepa Mehta
Deepa
Mehta nació en India y se licenció en filosofía en la Universidad de
Nueva Delhi. En 1991 produjo y dirigió su primer largometraje, “Sam y
yo”, con el que ganó la primera Mención de la Crítica en la categoría
“Cámara de Oro” del Festival de Cannes de 1991. En 1992 dirigió un
episodio de la serie “Las aventuras del joven Indiana Jones”, producido
por George Lucas.
El capítulo, titulado “Benares”, se rodó íntegramente en la ciudad del mismo nombre en India. En 1993 dirigió su segundo largometraje, Freda y Camilla, protagonizado por Jessica Tandy y Bridget Fonda. En 1994 dirigió “Viajes con mi padre”, el último episodio de la serie “El joven Indiana Jones”, que se rodó en Praga y en Grecia. Escribió, dirigió y produjo su tercera película, “Fuego”, que inauguró el Programa Perspectiva Canadá en el Festival de Toronto de 1996. Participó en el Festival de Nueva York. Ganó el Premio Federal Express a la Mejor Película (escogida por el público); dos Hugo de Plata (Mejor Dirección y Mejor Actriz) en el Festival de Chicago; el Premio del Jurado en el Festival de Manheim.
”Tierra”, basada en la aclamada novela de Bapsi Sidhwa, “Cracking India”, es la segunda parte de una trilogía basada en los elementos. Se rodó en Nueva Delhi en 1998. Se estrenó en el Festival de Toronto de 1998. Ganó el Primer Premio en el Festival de Cine Asiático de Deauville (Francia). Representó a India en los Oscar de 1999. ”Bollywood/Hollywood” se estrenó en el Programa Perspectiva Canadá en el Festival de Toronto de 2002. En 2003 coescribió y dirigió “The Republic of Love”, protagonizada por Bruce Greenwood y Amelia Fox, basada en la novela del mismo título de Carol Shields.
El capítulo, titulado “Benares”, se rodó íntegramente en la ciudad del mismo nombre en India. En 1993 dirigió su segundo largometraje, Freda y Camilla, protagonizado por Jessica Tandy y Bridget Fonda. En 1994 dirigió “Viajes con mi padre”, el último episodio de la serie “El joven Indiana Jones”, que se rodó en Praga y en Grecia. Escribió, dirigió y produjo su tercera película, “Fuego”, que inauguró el Programa Perspectiva Canadá en el Festival de Toronto de 1996. Participó en el Festival de Nueva York. Ganó el Premio Federal Express a la Mejor Película (escogida por el público); dos Hugo de Plata (Mejor Dirección y Mejor Actriz) en el Festival de Chicago; el Premio del Jurado en el Festival de Manheim.
”Tierra”, basada en la aclamada novela de Bapsi Sidhwa, “Cracking India”, es la segunda parte de una trilogía basada en los elementos. Se rodó en Nueva Delhi en 1998. Se estrenó en el Festival de Toronto de 1998. Ganó el Primer Premio en el Festival de Cine Asiático de Deauville (Francia). Representó a India en los Oscar de 1999. ”Bollywood/Hollywood” se estrenó en el Programa Perspectiva Canadá en el Festival de Toronto de 2002. En 2003 coescribió y dirigió “The Republic of Love”, protagonizada por Bruce Greenwood y Amelia Fox, basada en la novela del mismo título de Carol Shields.
jueves, 4 de octubre de 2012
El artsita y la modelo
- EL ARTISTA Y LA MODELO
- Director:
- Fernando Trueba
- Productores:
- Bonne Pioche, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A.
- Guionistas:
- Jean-Claude Carrière, Fernando Trueba
- Actores:
- Chus Lampreave, Claudia Cardinale, Götz Otto, Jean Rochefort, Aida Folch
- En la última pleícula de Trueba parace este cuadro de Rebrandt donde nos enseñan a mirarlo en toda su plenitud, esta escena es tan hermosa, tan brillante. La relación del artista con la creación, la búsqueda de la idea que quiere transmitir, es el eje de esta película.
- Merece la pena disfrutarla.
martes, 2 de octubre de 2012
domingo, 17 de junio de 2012
Moolaadé
La película 'Moolaadé' (Protección), de Ousmane Sembene, denuncia la práctica de la ablación en las mujeres africanas y su realidad social. Con un tono poco habitual en Occidente, el director Senegalés rinde homenaje al colectivo femenino mediante un film incluido en la trilogía 'Heroísmo cotidiano', formado por el largometraje 'Faat Kinè', la primera entrega, y 'La confrèrie des rats', película que está en preparación.
Fatoumata Coulibaly, la actriz principal, que presentó 'Moolaadé' el 11 de marzo, la definió como "una película de ficción que aborda temas cotidianos de África, es una ficción real". En este sentido, las imágenes del film se convierten en un testimonio crítico contra la mutilación genital femenina, reforzando la idea de la importancia que tienen los medios de comunicación, tanto prensa escrita como radio y televisión, a la hora de informar a mujeres y hombres de "las gravísimas consecuencias para la salud" que esta práctica supone.
Según dijo la actriz, la ablación no es exclusiva de África, ya que se sigue en algunas partes del Sudeste Asiático e incluso, hay informes que registran casos en Europa, Norteamérica y Australia entre las comunidades inmigrantes. La mutilación genital femenina supone una violación de los derechos humanos de las niñas que está condenada expresamente en la Convención para la Eliminación de todas las formas de discriminación contra las Mujeres, sin embargo, cada año, dos millones de niñas de todo el mundo la sufren.
PROPUESTA DIDÁCTICA PARA TRABAJAR EL TEMA EN LOS IES
Título original: Moolaadé
Dirección: Ousmane Sembene
Guión: Ousmane Sembene
Música: Boncana Maïga
Fotografía: Dominique Gentil
Producción: Coproducción Senegal-Francia-Burkina Faso-Camerún-Marruecos-Túnez, 2004
Interpretación: Maimouna Helene Diarra, Fatoumata Coulibaly, Salimata Traore, Dominique T. Zeida, Mah Compaore
Duración: 117 minutos. Recomendada para 2º, 3º y 4º ESO y Bachillerato.
Sinopsis
Ambientada en un pueblo de Burkina Faso, relata la historia de una dura mujer africana que protege a las niñas de la ablación genital femenina. Varias niñas y adolescentes africanas están a punto de ser sometidas al ritual de ablación por el que toda mujer debe pasar si quiere casarse. Sin embargo, en el último momento, seis de ellas logran escapar. Dos se van a la ciudad y las otras cuatro evocan la ''moolaadé'' (protección) de Colle Ardo Gallo Sy, firme detractora de la ablación, que todavía se resiente de los efectos de la mutilación que sufrió de niña. Colle, cuyo marido está de viaje, acoge a las jóvenes en su casa dividiendo así a la comunidad entre dos poderosos valores tradicionales: el respeto al derecho de asilo y la tradición de la ablación. Un film de un veterano director de 81 años, muy conocido en África y en algunos festivales de cine, que ha desarrollado buena parte de su carrera en el campo de los documentales en pro de los derechos humanos.
Objetivos
1. Valorar la capacidad de cambio y resistencia inspirada en las propias tradiciones culturales.
2. Defender los derechos de las mujeres como principios básicos de una convivencia igualitaria.
3. Entender la situación de conflicto interno que viven las sociedades de los distintos pueblos del Sur, alejándose de una supuesta uniformidad.
4. Informar sobre la situación de opresión y dominación que viven las mujeres en determinadas sociedades, así como su capacidad de lucha para cambiar dichas situaciones.
5. Potenciar el papel de la justicia y la democracia como los vehículos ideales para luchar contra la discriminación.
Actividades
• ¿Cuáles son los aspectos de la película que más te han sorprendido e interesado?
• ¿Qué opinión te merece la práctica de la mutilación genital femenina? ¿De qué manera ésta se vincula a la dominación de los hombres sobre las mujeres? ¿Crees que está relacionada una cosa con la otra?
• ¿Crees que debe permitirse esta práctica por parte de inmigrantes africanos residentes en países europeos como una forma de respeto a su cultura?
• ¿Cuál es la posición del director de la película con respecto al debate existente en las sociedades africanas sobre si deben mantener el respeto a la tradición y a las costumbres o bien optar por su abandono y encauzarse por la senda de la modernización occidental? ¿Y cuál es tu opinión al respecto?
• ¿Cómo entiendes la reacción de los hombres de destruir todas las radios de la comunidad? Por qué lo hacen?
• ¿Cómo entiendes el final de la película en la que se muestran de forma contrastada el minarete y una antena de televisión?
• ¿Qué crees que ha querido decir el director con este final?
• ¿Cómo valoras la reacción de la comunidad ante la llegada de Ibrahima procedente de Francia? ¿A qué responde la reacción que suscita su llegada?
• ¿Qué te parece el hecho que la lucha de las mujeres contra la ablación se plantee con el recurso de otra figura de la tradición como es el moolaadé? ¿Crees que esto puede plantearse como una posición política sobre de qué forma deben desarrollarse los países pobres? Y si es así, ¿cuál es tu opinión al respecto?
• ¿Cuáles son las diversas formas de organización y resistencia de las mujeres de la comunidad para hacer frente a la ablación?
• Desde tu punto de vista, ¿qué medios se han de utilizar para acabar con este tipo de costumbres? ¿Es posible intervenir ante tradiciones tan ancestrales como ésta? Justifica la respuesta.
• En las sociedades occidentales o las denominadas del primer mundo también existen tradiciones que pueden resultar denigrantes hacia determinados colectivos. Señala algunas de ellas y justifica tu respuesta.
• Busca información de las siguientes tradiciones culturales que imponen la violencia contra las mujeres: el sati, el burka, el infanticidio selectivo en China.
• Elabora un dossier de prensa en el que se hable sobre los malos tratos a las mujeres.
PROPUESTA DIDÁCTICA PARA TRABAJAR EL TEMA EN LOS IES
Ficha técnica: Moolaadé
Título original: Moolaadé
Dirección: Ousmane Sembene
Guión: Ousmane Sembene
Música: Boncana Maïga
Fotografía: Dominique Gentil
Producción: Coproducción Senegal-Francia-Burkina Faso-Camerún-Marruecos-Túnez, 2004
Interpretación: Maimouna Helene Diarra, Fatoumata Coulibaly, Salimata Traore, Dominique T. Zeida, Mah Compaore
Duración: 117 minutos. Recomendada para 2º, 3º y 4º ESO y Bachillerato.
Ambientada en un pueblo de Burkina Faso, relata la historia de una dura mujer africana que protege a las niñas de la ablación genital femenina. Varias niñas y adolescentes africanas están a punto de ser sometidas al ritual de ablación por el que toda mujer debe pasar si quiere casarse. Sin embargo, en el último momento, seis de ellas logran escapar. Dos se van a la ciudad y las otras cuatro evocan la ''moolaadé'' (protección) de Colle Ardo Gallo Sy, firme detractora de la ablación, que todavía se resiente de los efectos de la mutilación que sufrió de niña. Colle, cuyo marido está de viaje, acoge a las jóvenes en su casa dividiendo así a la comunidad entre dos poderosos valores tradicionales: el respeto al derecho de asilo y la tradición de la ablación. Un film de un veterano director de 81 años, muy conocido en África y en algunos festivales de cine, que ha desarrollado buena parte de su carrera en el campo de los documentales en pro de los derechos humanos.
Objetivos
1. Valorar la capacidad de cambio y resistencia inspirada en las propias tradiciones culturales.
2. Defender los derechos de las mujeres como principios básicos de una convivencia igualitaria.
3. Entender la situación de conflicto interno que viven las sociedades de los distintos pueblos del Sur, alejándose de una supuesta uniformidad.
4. Informar sobre la situación de opresión y dominación que viven las mujeres en determinadas sociedades, así como su capacidad de lucha para cambiar dichas situaciones.
5. Potenciar el papel de la justicia y la democracia como los vehículos ideales para luchar contra la discriminación.
Actividades
• ¿Cuáles son los aspectos de la película que más te han sorprendido e interesado?
• ¿Qué opinión te merece la práctica de la mutilación genital femenina? ¿De qué manera ésta se vincula a la dominación de los hombres sobre las mujeres? ¿Crees que está relacionada una cosa con la otra?
• ¿Crees que debe permitirse esta práctica por parte de inmigrantes africanos residentes en países europeos como una forma de respeto a su cultura?
• ¿Cuál es la posición del director de la película con respecto al debate existente en las sociedades africanas sobre si deben mantener el respeto a la tradición y a las costumbres o bien optar por su abandono y encauzarse por la senda de la modernización occidental? ¿Y cuál es tu opinión al respecto?
• ¿Cómo entiendes la reacción de los hombres de destruir todas las radios de la comunidad? Por qué lo hacen?
• ¿Cómo entiendes el final de la película en la que se muestran de forma contrastada el minarete y una antena de televisión?
• ¿Qué crees que ha querido decir el director con este final?
• ¿Cómo valoras la reacción de la comunidad ante la llegada de Ibrahima procedente de Francia? ¿A qué responde la reacción que suscita su llegada?
• ¿Qué te parece el hecho que la lucha de las mujeres contra la ablación se plantee con el recurso de otra figura de la tradición como es el moolaadé? ¿Crees que esto puede plantearse como una posición política sobre de qué forma deben desarrollarse los países pobres? Y si es así, ¿cuál es tu opinión al respecto?
• ¿Cuáles son las diversas formas de organización y resistencia de las mujeres de la comunidad para hacer frente a la ablación?
• Desde tu punto de vista, ¿qué medios se han de utilizar para acabar con este tipo de costumbres? ¿Es posible intervenir ante tradiciones tan ancestrales como ésta? Justifica la respuesta.
• En las sociedades occidentales o las denominadas del primer mundo también existen tradiciones que pueden resultar denigrantes hacia determinados colectivos. Señala algunas de ellas y justifica tu respuesta.
• Busca información de las siguientes tradiciones culturales que imponen la violencia contra las mujeres: el sati, el burka, el infanticidio selectivo en China.
• Elabora un dossier de prensa en el que se hable sobre los malos tratos a las mujeres.
domingo, 27 de mayo de 2012
A las cinco de la tarde
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Ver la película
http://www.webislam.com/videos/58057-a_las_cinco_de_la_tarde.html
Samira Makhmalbaf
Samira Makhmalbaf tiene 18 años, es iraní y su ópera prima, "La pomme" (La manzana) cosechó gran cantidad de elogios en la última edición del Festival de Cannes. Los diarios franceses tenían un doble motivo de asombro: la calidad del film y el hecho de que la directora fuera casi una adolescente y la más joven seleccionada en los cincuenta y un años de vida que lleva el Festival.
Cierto es que a Samira, la pasión por el cine le viene en los genes. Hija del realizador Mohsen Makhmalbaf, a los ocho años ya había actuado en un film de su padre y a los quince abandonó el colegio para hacer cursos en una escuela privada de cinematografía.
Talento, evidentemente no le falta: su primer largometraje fue elegido para la sección oficial no competitiva "Un certain regard", en el Festival de Cannes y se estrenó comercialmente en París.
"La pomme" parte de una historia real. "Tuve la idea de hacer este film a partir del caso presentado en un noticiero de televisión -contó Samira-. Allí se explicaba cómo un hombre había secuestrado dentro de su casa a sus dos hijas gemelas, que entonces tenían once años, desde el mismo momento del nacimiento. ¡Las niñas ni siquiera sabían hablar!" El caso había tomado estado público en Teherán cuando los vecinos de esa familia se decidieron a denunciar el caso ante las autoridades. A Samira la devoró una idea: quería hablar con el padre de esas niñas y preguntarle por qué las tenía encerradas. La respuesta que recibió fue difícil de encasillar: "Porque respeto las reglas de la sociedad iraní -le dijo el hombre-. Mis hijas son como flores. No puedo exponerlas al sol porque se marchitarían".
Ante esa explicación, todo intento de dividir la historia entre buenos y malos se volvía una simplificación demasiado grosera. A Samira no se le escapó que en esa complejidad de relaciones y personajes había un film en cierne. Al cabo de largas horas de conversación, terminó convenciendo a esa familia para realizar una película en la que cada uno hiciera de sí mismo y que cabalgara entre el documental y la ficción.
En familia
El resultado de esa experiencia es "La pomme". El film registra el largo proceso de cambio que debe operarse en esa familia disfuncional para que conforme a las indicaciones de una asistente social, el padre permita que sus hijas salgan a la calle, para que la madre -una mujer prácticamente ciega- se adapte a la nueva situación y para que las niñas descubran el lenguaje verbal y corporal a los once años.
Desde el encierro casero, para ellas los sueños se reducen a que alguien les traiga una manzana. Desde las primeras salidas al mundo, se asombrarán con la posibilidad de que una manzana sea también una buen excusa para jugar con otros niños y animarse a la aventura de la amistad.
El rodaje sirvió para introducir el cine como un proceso activo en la situación real. Duró once días. "Al comienzo no teníamos guión. Durante la filmación, cada noche evaluábamos el material que teníamos y mi padre, que también es guionista, escribía el esquema general para el día siguiente. Los diálogos surgían más allá de los esquemas. Poco a poco, la ficción se mezcló con la realidad. Y recién a los once días de rodaje pudimos escribir el guión verdadero", comentó Samira.
Cuando el diario Le Monde le preguntó si su película era una crítica específica a la sociedad iraní, Samira amplió el horizonte de su ambición. Dijo que la película pretende ser una apología de la libertad y "una queja por el hecho de que las mujeres en general, desde Teherán hasta los Estados Unidos, sean menos consideradas por su pertenencia a la especie humana que por su sexo". "Eso se oculta en Irán y se exhibe en Hollywood, pero básicamente es el mismo comportamiento", desafió la joven realizadora.
La historia final
En el Festival de Cannes todos quisieron conocer el final de la historia, pero no ya el que Samira mostraba finalmente en la pantalla, sino el que sigue tejiéndose en la vida de los personajes reales.
"La producción hizo construir una nueva casa para la familia que en el último tiempo logró grandes progresos -contó la directora-. Antes de partir para Cannes fui a visitarlos. Las dos niñas viven entre la oficina de ayuda social, donde aprenden a leer y su casa. Ellas tienen verdaderas ganas de aprender", se entusiasma la muchacha.
A juzgar por su debut como realizadora, Samira Makhmalbaf tiene verdaderas ganas de salir a mirar el mundo tal y como se le presenta, y convertirlo en historias de película.
Nader y Simin, una separación
| ORIGINAL | Jodaeiye Nader az Simin (Nader and Simin, a separation) |
|---|---|
| AÑO | 2011 |
| DURACIÓN | 123 min. |
| PAÍS |
 |
| DIRECTOR | Asghar Farhadi |
| GUIÓN | Asghar Farhadi |
| MÚSICA | Sattar Oraki |
| FOTOGRAFÍA | Mahmoud Kalari |
| REPARTO | Peyman Moaadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Shahab Hosseini, Sarina Farhadi, Kimia Hosseini, Babak Karimi, Ali-Asghar Shahbazi, Shirin Yazdanbakhsh |
| PRODUCTORA | Memento Films / Sony Pictures / Asghar Farhadi |
| WEB OFICIAL | http://www.jodaeyenaderazsimin.com/ |
| PREMIOS | 2011: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. Nominada a Mejor guión original 2011: Festival de Berlín: Oso de Oro a la Mejor película, Mejor actor, Mejor actriz 2011: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa 2011: National Board of Review: Mejor película extranjera 2011: Premios Cesar: Mejor película extranjera 2011: Critics Choice Awards: Mejor película extranjera 2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película extranjera 2011: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera 2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa 2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión 2011: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película de habla no inglesa 2011: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera 2011: British Independent Film Awards: Mejor película extranjera 2011: Nominada Premios David di Donatello: Mejor película extranjera |
| GÉNERO | Drama | Familia. Enfermedad. Vejez |
| SINOPSIS | Nader (Peyman Moaadi) y Simin (Leila Hatami) son un matrimonio iraní con una hija. Tras varios años casados, Simin quiere abandonar Irán en busca de una vida mejor. Sin embargo, Nader desea quedarse pues su padre tiene Alzheimer, y quiere cuidarlo. Ella le pide el divorcio, pero, al no conseguirlo, se muda a vivir con sus padres. Nader contrata a una mujer que le ayude a cuidar a su padre. Un día, al llegar a casa, encuentra al anciano atado a la cama; a partir de ese momento, su vida dará un vuelco. (FILMAFFINITY) |
Mohsen Moakhmalbaf, EL CINEY EL CAMBIO EN IRAN
Mohsen Makhmalbaf, cineasta, escritor , activista y Presidente de la Asian Film Academy nos ofrece la conferencia “El cine y el cambio en Irán” dentro del ciclo “Los retos del siglo XXI
Mohsen Makhmalbaf (Teherán, 1957), leyenda viva de la cultura crítica iraní, tenía muy claro lo que iba a hacer cuando pisara Madrid: ir a la Puerta del Sol. Y no precisamente a sacarse una foto delante del Oso y el Madroño... El cineasta, que hoy dará una conferencia en La Casa Encendida de Madrid sobre Cine y cambio social en Irán (repetirá el jueves en el Espacio para la Cultura Caja Madrid de Barcelona), se presentó ayer por la tarde en el campamento del 15-M en Sol para conocer de cerca un movimiento "del que están pendientes miles de ojos en todo el mundo" y proponer que se proyectara en la plaza el filme rodado por su hija sobre la Revolución Verde iraní: Green Days (Hana Makhmalbaf, 2009). Porque Mohsen Makhmalbaf, director de películas como Kandahar (2001) y activista infatigable, primero contra el sha de Persia y ahora contra el régimen de Ahmadineyad, cree firmemente que el 15-M es "un reflejo de las revueltas en los países árabes" que ha sacudido el mundo en los últimos meses. "Aquí no se asesina a los manifestantes porque, obviamente, la democracia española está en un nivel superior. Pero lo que piden los manifestantes es una democracia de mayor calidad. Ya no es suficiente con decir que Franco se murió, llegaron los partidos políticos y todo funcionó bien. Los jóvenes españoles aspiran a algo mucho más atrevido que el bipartidismo del ahora me toca gobernar a mí y ahora te toca gobernar a ti. La democracia no es un modelo cerrado, sino un camino. Los españoles quieren extender ese camino. El mundo está pendiente de vuestros pasos y espera mucho de vosotros", clama. Makhmalbaf, miembro de la Nueva Ola del cine iraní, formada por directores como Abbas Kiarostami y Jafar Panahi, que puso a Irán en el mapa cultural internacional a finales de los ochenta, cree que la fallida Revolución Verde iraní de 2009 fue un "precedente" de las protestas revolucionarias en los países árabes. "Tres millones de iraníes salieron a la calles", recuerda. "Más de cien personas fueron asesinadas. Ahora tenemos 15.000 presos políticos. Desgraciadamente no pudimos triunfar. Pero Túnez y Egipto nos han mostrado cuál es el camino de la victoria", cuenta el director, que se exilió hace seis años, como protesta por la elección presidencial de Ahmadineyad. Desde entonces ha vivido en Afganistán, Tayikistán, India y Francia dedicado a "difundir las protestas en Irán a nivel internacional" y potenciar el cine como herramienta crítica en países del tercer mundo. Mientras, sus hijas Hana (Buda explotó por vergüenza) y Samira (La pizarra), nacidas en 1980 y 1988 y criadas en los rodajes de su padre, son dos habituales de los festivales internacionales. Campaña exitosa Respecto al caso del director iraní Jafar Panahi, que fue condenado a 20 años sin poder rodar y a seis años de cárcel por filmar una película durante la agitación de la Revolución Verde, Makhmalbaf se muestra optimista. Panahi está libre provisionalmente (aunque no puede viajar fuera del país) hasta que un tribunal estudie su apelación. Makhmalbaf cree que la campaña internacional a favor de su liberación, respaldada por la plana mayor del cine mundial, ha paralizado en parte el proceso judicial: "Parece que el juzgado no se atreve a dar un veredicto. A causa, sin duda, de la campaña de protesta". Dicho lo cual, y sin que medie ninguna pregunta, se lanza otra vez a hablar del 15-M: "Si vuestra revolución callejera se convierte en algo internacional, no va a ser fácil que se desinfle. Esto no es sólo un movimiento español", zanja entusiasmado. http://www.publico.es/culturas/378244/el-padre-del-cine-irani-agita-el-15-m
Mohsen Makhmalbaf (Teherán, 1957), leyenda viva de la cultura crítica iraní, tenía muy claro lo que iba a hacer cuando pisara Madrid: ir a la Puerta del Sol. Y no precisamente a sacarse una foto delante del Oso y el Madroño... El cineasta, que hoy dará una conferencia en La Casa Encendida de Madrid sobre Cine y cambio social en Irán (repetirá el jueves en el Espacio para la Cultura Caja Madrid de Barcelona), se presentó ayer por la tarde en el campamento del 15-M en Sol para conocer de cerca un movimiento "del que están pendientes miles de ojos en todo el mundo" y proponer que se proyectara en la plaza el filme rodado por su hija sobre la Revolución Verde iraní: Green Days (Hana Makhmalbaf, 2009). Porque Mohsen Makhmalbaf, director de películas como Kandahar (2001) y activista infatigable, primero contra el sha de Persia y ahora contra el régimen de Ahmadineyad, cree firmemente que el 15-M es "un reflejo de las revueltas en los países árabes" que ha sacudido el mundo en los últimos meses. "Aquí no se asesina a los manifestantes porque, obviamente, la democracia española está en un nivel superior. Pero lo que piden los manifestantes es una democracia de mayor calidad. Ya no es suficiente con decir que Franco se murió, llegaron los partidos políticos y todo funcionó bien. Los jóvenes españoles aspiran a algo mucho más atrevido que el bipartidismo del ahora me toca gobernar a mí y ahora te toca gobernar a ti. La democracia no es un modelo cerrado, sino un camino. Los españoles quieren extender ese camino. El mundo está pendiente de vuestros pasos y espera mucho de vosotros", clama. Makhmalbaf, miembro de la Nueva Ola del cine iraní, formada por directores como Abbas Kiarostami y Jafar Panahi, que puso a Irán en el mapa cultural internacional a finales de los ochenta, cree que la fallida Revolución Verde iraní de 2009 fue un "precedente" de las protestas revolucionarias en los países árabes. "Tres millones de iraníes salieron a la calles", recuerda. "Más de cien personas fueron asesinadas. Ahora tenemos 15.000 presos políticos. Desgraciadamente no pudimos triunfar. Pero Túnez y Egipto nos han mostrado cuál es el camino de la victoria", cuenta el director, que se exilió hace seis años, como protesta por la elección presidencial de Ahmadineyad. Desde entonces ha vivido en Afganistán, Tayikistán, India y Francia dedicado a "difundir las protestas en Irán a nivel internacional" y potenciar el cine como herramienta crítica en países del tercer mundo. Mientras, sus hijas Hana (Buda explotó por vergüenza) y Samira (La pizarra), nacidas en 1980 y 1988 y criadas en los rodajes de su padre, son dos habituales de los festivales internacionales. Campaña exitosa Respecto al caso del director iraní Jafar Panahi, que fue condenado a 20 años sin poder rodar y a seis años de cárcel por filmar una película durante la agitación de la Revolución Verde, Makhmalbaf se muestra optimista. Panahi está libre provisionalmente (aunque no puede viajar fuera del país) hasta que un tribunal estudie su apelación. Makhmalbaf cree que la campaña internacional a favor de su liberación, respaldada por la plana mayor del cine mundial, ha paralizado en parte el proceso judicial: "Parece que el juzgado no se atreve a dar un veredicto. A causa, sin duda, de la campaña de protesta". Dicho lo cual, y sin que medie ninguna pregunta, se lanza otra vez a hablar del 15-M: "Si vuestra revolución callejera se convierte en algo internacional, no va a ser fácil que se desinfle. Esto no es sólo un movimiento español", zanja entusiasmado. http://www.publico.es/culturas/378244/el-padre-del-cine-irani-agita-el-15-m
AÑO 2001
DURACIÓN Trailers/Vídeos 85 min. P
AÍS DIRECTOR Mohsen Makhmalbaf (AKA Mohsen Majmalbaf)
GUIÓN Mohsen Makhmalbaf (AKA Mohsen Majmalbaf) MÚSICA Mohamad Reza Darvishi FOTOGRAFÍA Ebrahim Ghafouri
REPARTO Niloufar Pazira, Hassan Tantaï, Sadou Teymouri, Hayatalah Hakimi PRODUCTORA Makhmalbaf Film House
PREMIOS 2001: Cannes: Premio del Jurado Ecuménico GÉNERO Drama | Discapacidad
SINOPSIS Película que refleja la situación de Afganistán bajo el régimen talibán. Curiosa e involuntariamente, fue estrenada en la misma época que EEUU atacaba el mencionado país tras los atentados del 11 de Septiembre, lo que promocionó la película de forma adicional. (FILMAFFINITY)
lunes, 21 de mayo de 2012
Shirin Neshat su mirada
RTV dedica un programa a esta arista en: http://www.rtve.es/television/20100329/shirin-neshat/325756.shtml
Shirin Neshat, artista de origen iraní y residente en Nueva York, cuya obra es, sin duda, una de las más comentadas, analizadas y discutidas de la última década.
Ello se debe no sólo a la belleza visual de sus fotografías, instalaciones y películas sino también a que éstas se resisten a una interpretación unilateral por parte del espectador. Ambiguas y contradictorias de por sí, su complejidad es acentuada por la utilización de códigos y símbolos que pertenecen a dos culturas muy distintas.
En 1974, a los 17 años, Shirin Neshat partió de Irán para estudiar arte en Estados Unidos. Debido a la Revolución Islámica de 1979, no pudo volver a su país natal hasta 1990. Los cambios que se habían producido allí le causaron un fuerte impacto y la inspiraron a retomar su carrera artística. Con "Mujeres de Alá" (1994-1997), una serie de fotografias en blanco y negro que retan los prejuicios de Occidente sobre la mujer islámica, logró el reconocimiento casi inmediato del mundo artístico.
Aunque la voluntad de Shirin Neshat de dar voz a la mujer islámica en general y a las mujeres iraníes, en especial, está presente en toda su obra, en pocos trabajos es tan obvia como en "Turbulent" (1998). Se trata de una de las primeras obras de la artista realizada en cine y desde una postura más bien crítica hacia las consecuencias de la Revolución Islámica. En dos paredes opuestas vemos dos mundos opuestos, el de los hombres que pueden disfrutar de la música, y el de las mujeres a quienes se les priva de esta experiencia.
Las intenciones de la artista, sin embargo, van mas allá de la crítica política: también quiere reivindicar el gran potencial creativo de las mujeres, en este caso de la compositora iraní Sussan Deyhim.
También en "Éxtasis" (1999), Shirin Neshat utiliza la doble proyección en paredes opuestas para posicionar al espectador entre dos mundos. En esta obra, simbólica más que narrativa, la artista emplea con maestría su talento tanto lírico como formal para hablar, una vez mas, de la polaridad y de la segregación entre los sexos en el mundo islámico. Pero, también una vez más, nos muestra a mujeres fuertes y activas que no se resignan a convertirse en víctimas.
Mantener esta postura es tanto más difícil cuanta más presión y opresión se sufre. "La última palabra" (2003) es una reflexión sobre la censura, sobre la violencia inherente a ésta y sobre la imposibilidad de comunicación entre dos mundos, esta vez no sólo opuestos sino enfrentados: el de la burocracia política y el de la creación artística. La fuerte carga emocional de la obra se debe tanto al hecho de que está basada en una experiencia personal de la artista como a su familiaridad con la situación de numerosos escritores y escritoras iraníes, encarcelados tanto bajo el régimen de Shah como en la República Islámica de Irán.
Una de estas escritoras es Shahrnush Parsipur, en cuyo libro "Mujeres sin hombres" se basará el primer largometraje de Shirin Neshat, compuesto por las historias de cinco mujeres; "Zarin" (2005) forma parte de este proyecto. El problema al que se enfrenta su protagonista es consecuencia de los tabúes sexuales impuestos por la religión. Ella, como todas las mujeres presentes en la obra de la artista, intenta escapar del mundo que conoce y construir uno nuevo, seguro y libre a la vez. También aquíShirin Neshat nos muestra que en todas la culturas la imaginación puede aliviar, y a veces hasta vencer, la opresión.
Shirin Neshat. "La última palabra", primera exposición individual de la artista en España se puede ver hasta el 4 de diciembre en el MUSAC (León) y de mayo a julio de 2006 en el CAAM (Las Palmas).
Persépolis, cine
| TÍTULO ORIGINAL | Persepolis |
|---|---|
| AÑO | 2007 |
| DURACIÓN | 95 min. |
| PAÍS |
 |
| DIRECTOR | Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud |
| GUIÓN | Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud (Cómic: Marjane Satrapi) |
| MÚSICA | Olivier Bernet |
| FOTOGRAFÍA | Animation (B&W) |
| REPARTO | Animation |
| PRODUCTORA | 2.4.7 Films |
| WEB OFICIAL | http://www.persepolislapelicula.es/ |
| PREMIOS | 2008: Nominada al Oscar: Mejor largometraje de animación 2008: Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa 2008: 2 nominaciones a los BAFTA: Mejor película de habla no inglesa y animación 2007: Festival de Cannes: Premio especial del jurado. 2 nominaciones 2007: Premios Cesar: Mejor debut, guión adaptado. 6 nominaciones 2007: National Board of Review: premio a la libertad de expresión 2007: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película animada 2007: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación |
| GÉNERO | Animación. Drama | Cómic. Biográfico. Animación para adultos |
| SINOPSIS | Narra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. Voces originales en francés de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni. (FILMAFFINITY) |
Shirin Neshat, artista iraní
Shirin Neshat es una de las artistas más conocidas persas en el mundo occidental. Ella ha vivido en los Estados Unidos, en un exilio autoimpuesto desde su país natal, Irán, durante la mayor parte de su vida adulta. Esta experiencia, de estar atrapado entre dos culturas, domina el trabajo creativo Neshat: cada una de sus obras ofrece una visión de las complejas realidades sociales, religiosas y políticas que dan forma a su identidad-y las identidades de las mujeres en todo el mundo musulmán. fotografías provocativas Neshat, videos y instalaciones multimedia han resonado con los curadores de muchos grandes exposiciones internacionales de arte, incluyendo la Bienal de Venecia, XLVIII, donde ganó el primer premio en 1999. Su primer largometraje, Women Without Men , cuenta las historias de cuatro mujeres que luchan por escapar de la opresión en Teherán. Se ganó el León de Plata al mejor director en el Festival de Cine de Venecia 2010.
lunes, 19 de marzo de 2012
22 DE MARZO EN EL FILARMONICA ( OVIEDO)
R
EVOLUCIÓN DE LOS SARIS ROSAS
EVOLUCIÓN DE LOS SARIS ROSASDirección: Kim Longinotto
Nacionalidad: India,Reino Unido (2010)
Duración: 96 minutos
Género: Derechos Humanos
Género: Derechos Humanos
VO en indio subtitulada en castellano o catalán
Montaje: Ollie HuddlestoN
Producción: Amber Latif, Girjashanker Vohra
Producción: Amber Latif, Girjashanker Vohra
Dirección: Kim Longinotto
Sonido: Girjahanker Vohra
Música: Midival Punditz
Música: Midival Punditz
SINOPSIS
“La vida de una niña es cruel; la vida de una mujer es muy cruel”, apunta Sampat Pal, la protagonista de La revolución de los Saris Rosas. Casada por obligación de muy joven, se encontró de repente con una familia política que la maltrataba y le hacía trabajar muy duro. Lejos de lo que es habitual, Sampat los abandonó para convertirse en la líder de la Gulabi Gang (la Banda Rosa), un grupo de mujeres de la región india de Uttar Pradesh, identificables por sus saris rosas, que luchan contra los matrimonios forzados y el acoso que sufren muchas jóvenes. Una mirada dura pero a la vez divertida hacia estas activistas y su carismática líder.
EL DIRECTOR
Kim Longinotto es una de las realizadoras europeas de documentales más activas y reconocidas. Sus filmes, premiados internacionalmente, se caracterizan por tratar temas controvertidos con sensibilidad y compasión. Desde 1986 tiene su propia productora, Vixen Films. Algunos de sus documentales, como Sisters in Law, sobre abusos sexuales a mujeres del Camerún, y Hold Me Tight, Let Me Go, centrado en un internado inglés para niños conflictivos, han formado parte de la programación de El Documental del Mes en ediciones anteriores.
Filmografía
Sisters in Law, 2005.> Hold me tight, Let me go, 2007.
PREMIOS I FESTIVALES
Kim Longinotto es una de las realizadoras europeas de documentales más activas y reconocidas. Sus filmes, premiados internacionalmente, se caracterizan por tratar temas controvertidos con sensibilidad y compasión. Desde 1986 tiene su propia productora, Vixen Films. Algunos de sus documentales, como Sisters in Law, sobre abusos sexuales a mujeres del Camerún, y Hold Me Tight, Let Me Go, centrado en un internado inglés para niños conflictivos, han formado parte de la programación de El Documental del Mes en ediciones anteriores.Filmografía
Sisters in Law, 2005.> Hold me tight, Let me go, 2007.
PREMIOS I FESTIVALES
Abu Dhabi Film Festival, Premio al Mejor Documental. Unión de los Emirates Árabes, 2010.> Sheffield Documentary Film Festival, Premio Especial del Jurado. Reino Unido, 2010.> CPH:DOX (Festival
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